Mario-Paul Martínez y Fran Mateu (Eds.) (2026). The Screen is the Message.
Proposals from Art, Cinematography and Digital Post-Production.
Lausana: Peter Lang, 252 pp. ISBN: 9783631933121. Reseña de Michelle Lucy
Copmans (Universidad Católica de Lovaina, Bélgica)
Michelle
Lucy Copmans
Universidad Católica de Lovaina,
Bélgica
michellecopmans@hotmail.com
https://orcid.org/0000-0002-9387-9274
El libro colectivo The Screen is the Message. Proposals
from Art, Cinematography and Digital Post-Production, editado por
Mario-Paul Martínez y Fran Mateu, propone una reflexión colectiva en lengua
inglesa sobre la imagen digital y su papel en la cultura visual contemporánea.
El título, en diálogo con la célebre sentencia de McLuhan (2009), subraya la
obviedad y la paradoja de nuestro tiempo: no solo los contenidos, sino la
propia pantalla que los vehicula, se ha convertido en el lenguaje dominante de
la experiencia estética. En este sentido, el libro no se limita a diagnosticar
un panorama tecnocultural, sino que examina las raíces, las derivas y las
implicaciones artísticas de una condición visual que atraviesa el arte, el cine
y la comunicación. La pantalla —omnipresente,
inmaterial,
táctil— aparece como matriz de creación y, al mismo tiempo, como espacio de
pensamiento sobre los modos de ver y de hacer del presente (Manovich, 2005;
Lipovtesky y Serroy, 2009).
Desde sus primeras páginas, el
volumen teje conexiones entre la pintura, la fotografía, el cine y la posfotografía. Los ensayos iniciales proponen una
genealogía del proceso visual contemporáneo que va de la representación
pictórica a la manipulación digital. Vicente J. Pérez Valero y Francisco
Cuéllar Santiago, por ejemplo, reivindican la deuda del cine con la tradición
pictórica a través de nociones como el trampantojo o la anamorfosis, que ya
anticipaban la ilusión óptica del montaje y la postproducción. Por su parte,
Gómez Gómez y Levratto
trazan un recorrido desde la fotografía analógica de Kindel hasta los
experimentos conceptuales de Fontcuberta, observando cómo la digitalización no
destruye la imagen, sino que multiplica su capacidad de problematizar la
memoria y la historia. En ambos casos, la reflexión sobre la técnica se
convierte en una indagación sobre la mirada y su historicidad.
Esa misma tensión entre lo real y
su doble digital atraviesa los ensayos dedicados a la experimentación
audiovisual y tecnológica. A tales efectos, el estudio de Poveda sobre Tron
(Steven Lisberger, 1982) revisita la película como punto de inflexión donde el
ordenador accede literalmente en la pantalla de cine, transformándola en un
completo territorio de simulación. Català Nacher prolonga ese gesto en el terreno de la escultura
hiperrealista y analiza cómo herramientas como el modelado o el escaneo 3D abren
nuevas derivas de exploración para la imagen escultórica, ahora capaz de
coexistir entre la carne y el píxel. Ambos autores convergen en una misma idea:
la creación contemporánea ya no imita la realidad, la rehace bajo condiciones
de artificio, expandiendo sus posibilidades expresivas hasta lo fantástico.
El libro avanza hacia territorios
más experimentales con un bloque dedicado a las técnicas y narrativas de
postproducción. Entre ellos encontramos, por ejemplo, el estudio de Damià Jordà
Bou sobre Irati (2022), una producción de cine fantástico dirigida por
Paul Urkijo, que sirve de hilo conductor para comprender el modo en que los
efectos visuales moldean la textura estética del relato. A su lado, los
análisis de Ben Manzanera y Elisa Martínez abordan la animación como
laboratorio plástico, ya sea mediante la rotoscopia o
la animación con arena, y demuestran que la manipulación digital puede dialogar
con las formas más artesanales y poéticas del audiovisual. Estas lecturas ponen
de manifiesto que, frente al tópico de la obsolescencia tecnológica, la
creación contemporánea se nutre de rescates y contaminaciones entre lo manual y
lo digital, lo pictórico y lo virtual.
Otro eje central del volumen se
vincula al estudio de las narrativas interactivas y la transformación del
espectador en partícipe. Clara López Cantos analiza Black Mirror: Bandersnatch (David Slade, 2018), como síntoma de una nueva dramaturgia del
algoritmo, donde el relato adopta una lógica de decisión que rompe la
estructura clásica del guion. Freire-Sánchez y Seebach, desde una óptica
filosófica, leen el universo de Attack on Titan (Hajime Isayama,
2013) como una alegoría contemporánea de las fronteras del conocimiento y del
poder, mostrando que la interacción digital no solo modifica la forma del
relato, sino también su densidad ética. Ambos textos contribuyen a reformular
la idea de autoría en un mundo donde la narrativa se dispersa en redes de
sentidos y elecciones.
El apartado dedicado a los géneros
y dispositivos se abre a un territorio más híbrido, donde las fronteras entre
el cine, la televisión, el cómic o la instalación artística se diluyen. Diego
Mollá Furió recupera la tradición pulp de Buck
Rogers y Flash Gordon como origen remoto de la cultura transmedia,
que hoy domina el ecosistema del entretenimiento global. Esa genealogía
encuentra su correlato contemporáneo en el texto de González-García sobre la
obra de Marina Núñez, en la que el imaginario de la ciencia-ficción sirve para
interrogar el concepto de identidad en la era de la inteligencia artificial. En
contraste, otras aportaciones —como las de Miquel-Baldellou y Sáez González—
analizan las representaciones de la vejez o la esperanza en el cine de terror,
observando cómo el género fantástico se ha convertido en una vía fecunda para
pensar lo humano desde la fragilidad, el deseo y la metamorfosis.
Dentro de esa reflexión sobre la
otredad y la performatividad, el capítulo de Fernando Fernández sobre
videoclips queer devuelve a la postproducción su dimensión política. La
edición, el montaje o los efectos digitales no son meros dispositivos técnicos,
sino lugares de enunciación que permiten reinventar los cuerpos y los afectos.
En la misma línea de diálogo entre mito y representación, Sílvia Catarina
Pereira lee el Pigmalión cinematográfico de Rouben Mamoulian como alegoría de
los modos en que el cine moldea la imagen femenina desde paradigmas
contradictorios entre idealización y deseo. Estas lecturas, por ello, muestran
que la manipulación digital, más que una distancia con lo real, es una forma de
intervención crítica sobre las narrativas que nos constituyen.
El recorrido de este libro termina
con una reflexión sobre el pasado histórico y la educación, donde la pantalla
se entiende también como archivo y herramienta pedagógica. Así, Silvia Casolari y Davide Monopoli
analizan el fantaterror televisivo italiano de los
años setenta como una forma de mito popular hecha imagen; Kevin Díaz Alché, por
su parte, explora la construcción del pasado español en los videojuegos como
proceso simultáneo de memoria y olvido. Ambos estudios alertan sobre la
dimensión ideológica del relato visual, en tanto que reproduce o reescribe la
Historia. En paralelo, los capítulos de Alepuz Rostoll y Díaz-Caneja trasladan
el debate al aula, proponiendo usar el terror, la fantasía y el folclore como
estrategias educativas que integran la emoción y la imaginación en la enseñanza
de la cultura visual.
The Screen is the Message.
Proposals from Art, Cinematography and Digital Post-Production configura un nuevo tejido del
ecosistema audiovisual contemporáneo, cuyo mérito radica en no reducir la
cuestión tecnológica a un problema de herramientas o procedimientos, sino en
comprenderla como un cambio de paradigma en el modo mismo de pensar la imagen.
Frente a una realidad saturada de pantallas, este libro ofrece un espacio de
análisis que combina teoría, práctica y pasado histórico, situando la
creatividad digital en el centro de una reflexión más amplia sobre la cultura y
la sensibilidad del presente. En su diversidad de voces y enfoques, la obra
defiende la idea de que la pantalla, más que un simple medio, es hoy el rostro
visible de una transformación epistemológica: aquella en la que el mensaje,
literalmente, se ha convertido en la pantalla.
Referencias bibliográficas
LIPOVTESKY, Gilles; SERROY, Jean Serroy. (2009). La
pantalla global. Cultura mediática y cine en la era hipermoderna,
Barcelona: Anagrama.
MANOVICH, Lev (2005). El lenguaje de los
nuevos medios de comunicación: La imagen en la era digital, Barcelona:
Paidós.
MCLUHAN, Marshall (2009). Comprender los
medios de comunicación: Las extensiones del ser humano, Barcelona: Paidós.