Ucoarte. Revista de Teoría e Historia del Arte, 12, 2023, pp. 280-296, ISSN: 2255-1905
RE-SIGNIFICAR LA ETIQUETA ARTE CONTEMPORÁNEO
EN LA ERA GLOBAL
ANTONIO LABELLA MARTÍNEZ
Universidad Complutense de Madrid (España)
Universidad de Málaga (España)
Fecha de recepción: 15/04/2023
Fecha de aceptación: 02/08/2023
Resumen
En el presente artículo se expone el análisis realizado sobre la vigencia de la etiqueta
Arte Contemporáneo según su capacidad para englobar las creaciones artísticas propias
de un nuevo periodo histórico denominado como La Contemporaneidad. El estudio
toma como punto de partida el influyente cuestionamiento que realizó Giorgio
Agamben sobre el significado de ser Contemporáneo y examina algunos de los principales
debates críticos que fueron realizados por artistas y académicos interesados en torno a
la re-significación de la categoría artística a raíz del planteamiento. El artículo concluye
con la exposición de una serie de líneas de investigación que son capaces de aportar
datos concretos sobre el ecosistema de la creación artística actual y que están
favoreciendo el estudio de la creación de la Contemporaneidad, basándose en la
aplicación de herramientas digitales y metodologías relacionadas con la Analítica
Cultural.
Palabras clave
La Contemporaneidad; Arte Contemporáneo; Lo Global; Creación artística; Analítica Cultural.
ARTISTIC CREATION IN THE DIGITAL TRANSFORMATION. RE-
SIGNIFYING THE LABEL CONTEMPORARY ART IN THE GLOBAL ERA.
Abstract
This article presents an analysis of the validity of the label Contemporary Art according
to its capacity to encompass the artistic creations of a new historical period known as
Contemporaneity. The study takes as its starting point Giorgio Agamben's influential
questioning of the meaning of being Contemporary and examines some of the main
critical debates that were carried out by artists and academics interested in the re-
signification of the artistic category as a result of this approach. The article concludes
with the presentation of a series of lines of research that are capable of providing
concrete data on the ecosystem of current artistic creation and that are favouring the
study of artistic creation in the Contemporary, based on the application of digital tools
and methodologies related to Cultural Analytics.
Keywords
Cultural Analytics; Contemporary Art; The Global; Artistic Production; Cultural Analytics.
Antonio Labella Martínez
Introducción
1
En la ciudad de Venecia, en el año 2008, durante un curso de Filosofía Teorética realizada
en la Facultad de Artes y Diseño de Venecia, el influyente filósofo Giorgio Agamben iniciaba
su conferencia con la pregunta: ¿Qué es ser contemporáneo? A lo largo de la conferencia planteaba
una innovadora hipótesis sobre el significado de Lo Contemporáneo, manifestando que:
La contemporaneidad es, pues, una relación singular con el propio tiempo, que adhiere a éste y, a la vez,
toma su distancia; más exactamente, es "esa relación con el tiempo que adhiere a éste a través de un desfase
y un anacronismo". Los que coinciden de una manera excesivamente absoluta con la época, que concuerdan
perfectamente con ella, no son contemporáneos porque, justamente por esa razón, no consiguen verla, no pueden
mantener su mirada fija en ella
2
.
La tesis formulada por Agamben supuso el inicio de una serie de investigaciones por parte
de diversos creadores y teóricos en las que, de una manera u otra, replanteaban el significado
de Lo Contemporáneo en el contexto histórico reciente, marcado por una serie de cambios
significativos relacionados con el desarrollo digital global y la descentralización de los centros
hegemónicos. Más de una década después de la publicación de la citada conferencia del
filósofo, no se ha emitido un juicio generalizado sobre la re-significación del significado de
Lo Contemporáneo ni sobre las consecuencias que ello implicaría en la producción artística
que tradicionalmente se sitúa dentro del amplio paraguas denominado como Arte
Contemporáneo. Se siguen publicando trabajos académicos en torno al significado y alcance
de la etiqueta Arte Contemporáneo y las instituciones relacionadas con la producción más
actual, tales como museos o universidades, no se posicionan de manera uniforme.
La investigación expone un análisis de parte de la variada producción de varios
investigadores en torno a esta cuestión que pasa por diferentes revisiones de la categoría Arte
Contemporáneo y, gracias a la lectura de los resultados, propone una serie de futuras líneas
de investigación adaptadas a los cambios históricos actuales que sean capaces de aportar
datos concretos sobre la producción artística para favorecer las posibles investigaciones
futuras relacionadas con esta área de conocimiento.
La Contemporaneidad: Investigaciones sobre el significado del Arte Contemporáneo.
Repensar el alcance de Lo Contemporáneo desde los términos que sugiere Agamben, ha
dado paso a la aparición de un periodo clasificado como La Contemporaneidad. Trascurrido
el primer año del nacimiento de La Contemporaneidad, en el 2009, en el mundo del arte ya
se publican los primeros trabajos de investigación y las primeras creaciones artísticas que, de
una manera u otra, están interesadas en la esencia de Lo Contemporáneo. En ese mismo año
se celebra la edición número 53ª de la Bienal de Venecia con el título Fare Mondi // Making
Worlds bajo la dirección del curador Daniel Birnbaum. La edición gira en torno a un discurso
curatorial sobre el poder que tienen los artistas contemporáneos en la sociedad gracias a su
capacidad de crear nuevos mundos y también sobre las posibilidades de explorar nuevos
espacios para que el arte se desenvuelva fuera del contexto institucional y más allá de las
expectativas del mercado del arte
3
. Entre los aproximadamente 90 artistas invitados, se
exhibe la producción del artista mejicano Héctor Zamora titulada Sciame di dirigibili (2009).
La obra se fundamenta en la creación de una feria ficticia de zepelines en la ciudad de Venecia
utilizando diferentes soportes publicitarios por toda la ciudad además de videos virales en
internet. El artista crea un evento que nunca sucedió que enlaza temporalmente presente y
pasado mediante el uso uno de los iconos de la promesa tecnológica de la modernidad de
1
Investigador posdoctoral programa Margarita Salas y financiada por la Unión Europea – NextGenerationEU.
Universidad Complutense de Madrid y Universidad de málaga. El presente texto nace en el marco del proyecto
970977 DATA ART RESEARCH. THEORIES, METHODS AND PRACTICES de la Universidad
Complutense de Madrid.
2
Agamben, 2009: 1.
3
Universes.art: https://universes.art/es/bienal-venecia/2009/ (consultado en 05/07/22).
281
La creación artística en la transformación digital
principios del siglo XX como fue el zepelín. Para darle mayor intensidad a la creación del
evento ficticio, el creador encalló literalmente un globo en forma de zepelín entre dos calles.
Trece años después de la exhibición, tomando la fecha de redacción de la presente
publicación, cualquier usuario con acceso a internet puede comprar desde su móvil una
fotografía original de la instalación del zepelín encallado (Figura 1) por 9.100 dólares
norteamericanos directamente en el espacio web que la galería de arte Galería Albarrán
Bourdais ha instalado en la web de venta de arte Artsy
4
.
De manera simultánea a la bienal de Venecia, en mismo año 2009, el equipo redactor de
la revista e-flux
5
, formado por los artistas Julieta Aranda, Brian Kuan Wood y Anton Vidokle,
publican el artículo: What is Contemporary Art? Issue One
6
. El artículo aparece en el número 11
de la revista y es el primero de dos publicaciones monográficas sobre la etiqueta Arte
Contemporáneo. En el artículo, el equipo redactor comparte abiertamente la problemática a
la que se enfrenta cuando comienzan a generar un archivo Wiki sobre el Arte
Contemporáneo en su página web oficial de e-flux. Los obstáculos surgen cuando se plantean
crear una estructura interna para que los usuarios puedan navegar en su web por la colección
de las creaciones artísticas que atesoran. Se plantean la opción de clasificar las obras por
movimientos, pero tal y como explican: no ha habido movimientos destacados en los últimos veinte
años. Tampoco ven factible acomodarlas por el medio de expresión puesto que hay una gran
disparidad de medios expresivos en la creación artística actual y este fenómeno lo
imposibilita. Igualmente, se presenta, según su criterio, igual de infructuoso plantearlo por
regiones geográficas. Estas dificultades finalmente obligan al equipo a desdeñar el proyecto
de clasificación. En un ejercicio de sinceridad admirable, la revista señala que, a pesar de la
4
https://www.artsy.net/artwork/hector-zamora-sciame-di-dirigibili (Consultado en 10/06/2022).
5
E-flux es una plataforma y archivo editorial, proyecto artístico, plataforma curatorial y empresa fundada en 1998. Su compendio
de noticias, eventos, exposiciones, escuelas, revistas, libros y los proyectos de arte producidos y/o difundidos por e-flux describen las
corrientes de discurso crítico que rodean al arte, la cultura y la teoría contemporáneas a nivel internacional. Su publicación mensual
e-flux journal ha producido ensayos encargados desde 2008 sobre paradigmas culturales, políticos y estructurales que informan la
producción artística contemporánea. https://www.e-flux.com/about (consultado 16/08/19).
6
Aranda et al., 2009.
282
Fig. 1. Captura de pantalla de web Artsy (2022). Fuente: https://www.artsy.net/artwork/hector-
zamora-sciame-di-dirigibili.
Antonio Labella Martínez
dificultad que supone, muchas instituciones como museos o casas de subastas
internacionales, si dan por sentado algunos parámetros en relación al Arte Contemporáneo,
aunque esos parámetros no se explican como tales. Finalmente, antes de dar paso a los
artículos que se incluyen en el número específico de la revista sobre el Arte Contemporáneo, el
equipo redactor subraya en el artículo que hay dos enfoques para clasificar el Arte
Contemporáneo: Uno que ha sido totalmente institucionalizado y otro que aún evade la definición
7
.
En el siguiente número de la revista e-flux, el que se publica en enero del 2010, se continua
por parte del equipo editorial con la misma línea conceptual en un segundo capítulo llamado:
What is Contemporary Art? Issue Two
8
. En la nueva publicación la revista prosigue con un
monográfico sobre el Arte Contemporáneo y en esta ocasión los redactores señalaron algunos
puntos de reflexión que son complementarios al anterior número. El primer punto a destacar es
el comentario que hace el equipo editor sobre lo contemporáneo, apuntando que esta categoría
se ha convertido en un gran -ismo hegemónico que absorbe todas las demás propuestas
9
. El equipo redactor
de la revista e-flux comparte en el artículo que una de las primeras grandes diferencias del Arte
Contemporáneo con periodos anteriores es precisamente la ausencia de aglutinaciones en
corrientes o ismos. La apreciación que hacen los autores pone de relieve una problemática
estructural, y hace alusión a la obsolescencia del sistema de investigación basado en la clasificación
de la creación artística mediante corrientes o ismos, la metodología más extendida en periodos
históricos anteriores.
De la segunda publicación cabe destacar que los autores también señalan una serie de
cuestiones que ejemplifican los cambios sustanciales del contexto histórico actual con un periodo
anterior como son: el descentramiento de los antiguos centros hegemónicos y la creación de un campo descentrado
que se nutre de una naturaleza multilocal y la divulgación de múltiples historias en constante traducción
simultánea
10
. Además, la publicación incluye una frase muy relevadora: Lo contemporáneo es como un
desorden cacofónico que nos da una enorme esperanza.
El contenido que se ha compartido de ambos artículos de la revista E-flux, menciona una
serie de características que plantean que las creaciones artísticas actuales poseen singularidades
que lo diferencian del arte que tradicionalmente se ha etiquetado como Arte Contemporáneo.
Según cita el equipo editorial de la revista E-flux, es posible encontrar evidencias suficientes para
declarar que el sistema de clasificación apoyado en la etiqueta Arte Contemporáneo tiene una
relación compleja con las creaciones más actuales.
En el mismo año 2009, el especialista Hal Foster publica un artículo en el número 130 de la
revista October llamado Questionnaire on “The Contemporary”
11
. El artículo se inicia con una
introducción de una página en la que el propio autor expone algunos rasgos esenciales, según su
criterio, sobre la categoría artística del Arte Contemporáneo:
The category of “contemporary art” is not a new one. What is new is the sense that, in its very heterogeneity,
much present practice seems to float free of historical determination, conceptual definition, and critical judgment.
12
El artículo comienza exponiendo la problemática actual asociada a esta categoría artística dada
la heterogeneidad e indeterminación histórica que presenta, a pesar de ser un objeto institucional
que se aborda en cátedras y programas de instituciones museísticas. La metodología empleada
para enfrentarse a este desorden generalizado es la elaboración de una lista de unos setenta
críticos y curadores que estaban relacionados de una manera u otra con esta problemática
categoría para plantearles a ellos la pregunta ¿qué es el arte contemporáneo?
Según sus propias palabras:
7
Aranda et al., 2009: 2.
8
Aranda et al., 2010.
9
Aranda et al., 2010: 1.
10
Aranda et al., 2010: 2.
11
Foster, 2009.
12
Traducción: La categoría de arte contemporáneo no es nueva. Lo que sí es nuevo es el sentido de que, en su gran heterogeneidad,
gran parte de la práctica actual parece flotar libre de determinación histórica, definición conceptual y juicio crítico.
283
La creación artística en la transformación digital
This questionnaire was sent to approximately seventy critics and curators, based in the United States and
Europe, who are identified with this field. Two notes: the questions, as formulated, were felt to be specific to these
regions; and very few curators responded.
13
Para investigar el desorden existente alrededor de esta categoría artística, el autor elabora
una lista de unos setenta críticos y curadores de Europa y Estados Unidos de América y envía
la encuesta para conocer las respuestas de los mismos. De la lista de setenta especialistas
elegidos, solamente 34 responden con variadas reflexiones sobre el cuestionario y con ese
material se elabora un artículo de 124 páginas. La metodología del autor, resumida en esta
sucinta nota, se aproxima a una acción creativa de carácter participativo que transciende de
una mera investigación sobre esta escurridiza categoría artística.
Cuatro años después del planteamiento de Agamben, se publica uno de los primeros
ensayos más completos sobre el estudio de esta categoría artística. Bajo el título ¿Qué es el
Arte Contemporáneo?
14
, su autor, Terry Smith, comparte un concepto clave para acotar el
estudio sobre la categoría artística, que hoy es cegadoramente obvia la diferencia entre las
dos categorías que han acaparado el siglo XX, el Arte Moderno y el Arte Contemporáneo.
Se trata de una aclaración importante, puesto que en la propia diferenciación de ambas
categorías se distinguen características propias de la categoría Arte Contemporáneo desde un
análisis continuista, es decir, que se realiza una clasificación con una metodología basada en
un desplazamiento de la hegemonía de las instituciones europeas a las norteamericanas. Una
idea que, tal y como se señala a lo largo del presente artículo, es fundamental para progresar
en las investigaciones orientadas al análisis de la creación artística más actual. El autor
continúa relatando que el uso del término Arte Contemporáneo tal y como se conoce hoy:
comenzó a gestarse en los años cincuenta, emerge en los sesenta, es combatido durante los setenta, pero se vuelve
inequívoco desde los ochenta
15
.
Otro trabajo que se publica cinco años después de la conferencia de Agamben es el ensayo
del autor Peter Osborne titulado Anywhere or not at all, Philosophy of compemporary art
16
; una
investigación que ahonda aún más en la clasificación del Arte Contemporáneo y es un
documento de obligada referencia para cualquier estudio sobre esta etiqueta. En el ensayo se
especifica que el término Arte Contemporáneo, a pesar de que se conociese ya desde el siglo
XVII, se comenzó a utilizar solamente después de la Segunda Guerra Mundial con las
connotaciones actuales en relación a su naturaleza histórico-crítica y en contraste con la
modernidad. Ambos términos, Moderno y Contemporáneo, según señala el autor, convivían
en cierta manera a lo largo de la primera mitad del siglo XX, pero lo Contemporáneo se
mostraba como una calificación dentro de lo Moderno. Ser Contemporáneo equivalía a una
variante de lo Moderno, pero lo era de una manera moderada y menos rupturista. El autor
apunta que este término vino a reemplazar al término de Moderno solamente después de la
Segunda Guerra Mundial, ya que lo Moderno se mantuvo adherido a los acontecimientos
previos a la nefasta Segunda Gran Guerra y lo Contemporáneo fue ganando posiciones en
relación al nuevo periodo histórico que se estaba gestando. La fecha clave del fin de la
Segunda Guerra Mundial, además, supuso el comienzo de la hegemonía de las instituciones
artísticas estadounidenses. El desarrollo del concepto Arte Contemporáneo fue madurando
lentamente aunque, como cita el autor, no tenía una entidad suficiente como para que se
citara en el influyente libro de Raymond Willians, A vocabulary of culture and society (1976); añade
que cuando Matei Clinescu actualizó su libro Rostros de la modernidad (1977) a Los cinco Rostros
de la modernidad (1987), ya incorporó el término posmodernismo en el posible espacio que
13
Traducción: Este cuestionario fue enviado a aproximadamente setenta críticos y curadores, afincados en los Estados Unidos y
Europa, que se identifican con este campo. Dos notas: las preguntas, tal como fueron formuladas, se consideraron específicas para
estas regiones; y muy pocos curadores respondieron.
14
Smith, 2012.
15
Smith, 2012: 19.
16
Osborne, 2013.
284
Antonio Labella Martínez
285
debería ocupar el concepto de Contemporáneo junto a los términos ya establecidos a finales
de los años treinta: modernismo, vanguardia, decadencia y kitsch.
Dentro del mismo ensayo, Anywhere or not at all
17
, el autor plantea una innovadora
propuesta metodológica para analizar la categoría del Arte Contemporáneo, sumando de
manera no excluyente tres formas de periodización condicionadas por hechos históricos
particulares y el espacio geopolítico en el que se desarrollan. Se proponen tres formas de
periodización en forma de estratos o genealogías superpuestas, a modo de tres sentidos del
presente extendido. Cada periodización se fundamenta con eventos históricos determinados
y privilegia un terreno geopolítico particular
18
.
Periodización según el carácter geopolítico
En la primera periodización se
hace especial hincapié en el carácter
geopolítico de la época. Según este
fundamento teórico, se sugiere que la
introducción de la categoría del Arte
Contemporáneo se dio en la región de
la Europa del Este, ya que el realismo
socialista era realmente un realismo
contemporáneo. Como caso de
estudio, se cita que la Galería
Municipal de Arte Contemporáneo
de Zagreb en Croacia
19
(City Gallery
of Contemporary Art), fundada en
1954, fue una de las pocas
instituciones artísticas que usaron el
término antes de la década de 1960.
El autor aclara este matiz porque en la
Europa del Este la modernidad se
consideraba una tergiversación
ideológica de la época del capitalismo.
En occidente, sin embargo, no fue
hasta 1980 cuando los diferentes
actores recodificaron el arte después
de 1945 en Arte Contemporáneo,
sumándose a la cadena de otros
periodos artísticos de la historia del arte. En esta periodización se señala el año 1945 cuando
se afianza la hegemonía de las instituciones artísticas estadounidenses. Pero el autor del
ensayo se pregunta: ¿no es un periodo demasiado extenso? o ¿es correcto poner en el mismo lugar del
expresionismo abstracto con las creaciones actuales? En esta primera periodización se hace hincapié
en el carácter geopolítico donde se tomaron las vanguardias y el desarrollo del arte moderno
para justificar las corrientes estadounidenses posteriores.
La primera periodización se construye en base a las transformaciones geopolíticas. Así, se
distinguen dos factores fundamentales para el autor: el primero la reacción del
distanciamiento temprano del bloque del este al concepto del arte moderno, el segundo, el
reconocimiento del traslado de la hegemonía de las instituciones artísticas de la vieja Europa
hacia los Estados Unidos de América. Según estas dos características, la introducción del
cambio se produjo en los bloques en los que quedaría dividido el orden geopolítico mundial
17
Osborne, 2013.
18
Osborne, 2013: 19-23.
19
http://www.msu.hr/stranice/About%20us/1/en.html (consultado en 28/11/19).
Fig. 2. Portada del primer volumen de la revista Artforum con
la fotografía de la sombra proyectada por una escultura
de Jean Tinguely (junio, 1962). Fuente:
https://www.artforum.com/print/196206 .
La creación artística en la transformación digital
286
durante el proceso de la guerra fría. En esta línea, es oportuno traer a colación una reflexión
del especialista Hal Foster. En el capítulo séptimo de su ensayo Diseño y Delito
20
, titulado
Críticos de arte in extremis, Hal Foster realiza un profundo estudio sobre la influyente revista
Artforum y su papel en el mundo del arte relacionado con Lo Contemporáneo. El análisis que
realiza el autor, comienza con el libro de Amy Newman llamado Challenging Art: Artforum
1962-1974. La revista a la que se refiere en este capítulo, Artforum, es una publicación que,
según Hal Foster, se ha posicionado como la revista más influyente del Arte Contemporáneo,
sobre todo a lo largo de los años sesenta y setenta del siglo XX. Durante ese periodo, las
figuras más relevantes de la crítica del arte del momento escribían artículos para la revista,
documentos que después han pasado a formar parte de la historia del arte.
El primer dato que llama poderosamente la atención es que en los primeros textos que se
publicaron en la revista se podía percibir el entusiasmo generalizado sobre el triunfo de la
pintura americana ante una Europa que: (…) estaba hecha trizas, en decadencia y agotada
21
. Hubo
una sensación generalizada de que el viejo continente ya estaba fuera de juego y el
expresionismo abstracto americano vino a reemplazar a los aluviones previos de corrientes
artísticas europeas. También señala el autor que muchos de los actores implicados (…) eran
hijos de emigrantes y/o judíos para los que los Estados Unidos era un nuevo mundo abierto y Europa un
ambiguo viejo mundo al que había que olvidar o superar
22
. Además de estos factores, el cambio se
vio reforzado por una ambiciosa apuesta por parte del sistema educativo por incorporar en
la enseñanza numerosos programas educativos que incluían las nuevas tendencias de las que
se beneficiaron ciudades como Nueva York o Washington y que fundamentaron una conciencia
histórica y una sofisticación filosófica sin precedentes en los Estados Unidos.
Hal Foster, en el artículo que se ha citado, subraya aspectos de la adopción, por parte de
la esfera del arte de los Estados Unidos, de la tradición moderna que se encontraba en la obra
de pre-guerra europea, posicionándose como el legítimo continuador de la tradición
occidental. Esta estrategia facilitó, además, la lectura de las obras posteriores de raíz
puramente norteamericana. Esta periodización es sumamente sugerente en cuanto a la
periodización del arte en la actualidad si se atiende a las profundas transformaciones
geopolíticas que se están produciendo a escala global.
Periodización según las prácticas artísticas y el reconocimiento institucional
La siguiente propuesta de periodización que plantea Peter Osborne es la que se basa en
el estudio de los desarrollos de las prácticas artísticas y el reconocimiento institucional. Según
la segunda periodización, no es sino hasta la década de los setenta cuando definitivamente
deja de prevalecer el arte predominante de las prácticas ligadas a las neo vanguardias basadas
en objetos y medios, para dejar paso a nuevas formas de expresión como la performance, el
minimalismo y arte conceptual. También en esta década se dio una internacionalización dentro
del marco hegemónico estadounidense y residualmente del europeo, ya que se fueron
introduciendo artistas japoneses o sudamericanos a este mismo marco. Este periodo coincide
también con las luchas anti-imperialistas y una visión crítica en una nueva escala que
tradicionalmente se habían ligado a las revueltas de 1968. Además, se destaca la influencia de
los avances tecnológicos ligados a los desarrollos de viajes aéreos comerciales y al sistema de
comunicaciones que favorecieron el movimiento de artistas, comisarios y consumidores del
arte. Es una periodización algo más extensa geopolíticamente y, según el autor, (…) una parte
significativa del arte institucional que se produce en la actualidad sigue sin alcanzar la contemporaneidad en
este sentido crítico inmanente.
20
Foster, 2004: 104.
21
Foster, 2004: 106
22
Foster, 2004: 107.
Antonio Labella Martínez
287
Periodización según La Caída del Muro de Berlín
La última propuesta es la que se da con la caída del muro de Berlín, después de 1989. Este
hito simboliza el fin de la guerra fría y el fin del comunismo histórico, el periodo que iría
desde 1917 a 1989, y la victoria definitiva de una globalización neoliberal del capital y la
inclusión del motor de la economía actual, China. En este punto, el autor subraya que en el
campo de la creación se produjo el cierre del horizonte histórico de las vanguardias y un
hecho muy destacado para el desarrollo de la presente investigación: comienza un periodo
caracterizado por una globalización y transnacionalización de las bienales como forma
expositiva. Es significativo que la última periodización que ha planteado el autor Peter
Osborne, es la que ha marcado la caída del muro de Berlín. Existe numerosa bibliografía
sobre este hecho y se hace necesario destacar algunas obras que se han consultado para la
investigación que son sumamente interesantes, como el trabajo de María Hlalvajova y Simon
Sheikh publicado en el año 2017, titulado Former West: Art and the Contemporary After 1989
(Hlalvajova y Sheikh, 2017), o el trabajo de Tiyen Tunali titulado Contemporary Art and the Post-
1989 Art World (Tunali, 2017). Muchos de estos estudios marcan el inicio de una nueva etapa
histórica coincidiendo con la caída del muro de Berlín, basándose en la liberalización
simbólica del mundo de los antiguos bloques, una liberalización que propiciaba muchos de
los cambios geopolíticos que marcarían el nuevo orden económico mundial. En el trabajo
que se ha mencionado de la autora Tiyen Tunali, se hace referencia al hecho de que el nuevo
sistema de globalización en la producción y distribución global es lo que define el Arte
Contemporáneo.
Más allá de los estudios de los contextos que han fundamentado estas tres propuestas de
periodizaciones por parte del autor, existe una singularidad sumamente importante que
subyace a estas propuestas y es que, según señala Peter Osborne, no son periodizaciones
alternativas y autosuficientes, sino que más bien son diferentes intensidades de
contemporaneidad que se entrelazan las unas a las otras y se complementan. Son diferentes
estratos superpuestos de condiciones que se complementan. En conjunto, las
periodizaciones que propone el autor están marcadas, en gran medida, por profundas
evoluciones geopolíticas. Una serie de cambios que han ido guiando a la población mundial
hacia la actual Era Global, al menos en términos de conexión sin precedentes gracias a las
nuevas tecnologías digitales y a los mestizajes culturales fruto de esa híper-conexión.
Según el breve camino que se ha trazado desde el cuestionamiento de Agamben y
algunos de los trabajos orientados a esclarecer la etiqueta de Arte Contemporáneo y su
relación con La Contemporaneidad, se hace evidente la necesidad de continuar realizando
investigaciones sobre las particularidades del periodo histórico actual y la creación artística
relacionada con su tiempo. Una fórmula para favorecer la recolección de una gran cantidad
de datos sobre esta cuestión, se encuentra en la cita que el autor Boris Groys, especialista con
una gran producción académica orientada a estudiar las relaciones entre el Arte
Contemporáneo y su tiempo, plantea en su ensayo Volverse Público:
La pregunta ¿qué es el Arte Contemporáneo? supone la pregunta ¿qué es lo contemporáneo? o, ¿cómo
puede mostrarse lo contemporáneo como tal?
23
.
En esta breve cita, Boris Groys plantea una necesidad de identificar las singularidades que
muestra Lo Contemporáneo. Como es obvio, en el caso del ámbito del arte el objeto de
estudio se debe centrar en analizar las particularidades que revela la producción artística. Si
se atiende al somero análisis de las investigaciones de los especialistas sobre La
Contemporaneidad que se ha compartido al inicio del presente artículo, es posible distinguir
dos tipos de contemporaneidad según su esencialidad en la percepción:
- Una esencialidad en la que se destaca una excepcional relación del individuo con el
tiempo que, atendiendo a las indicaciones de Agamben, sería la Contemporaneidad
Particular.
23
Groys y Cortés-Rocca, 2014.
La creación artística en la transformación digital
288
- Una esencialidad en la que se aglutinan diferentes intensidades de contemporaneidad
según las particularidades del contexto histórico y geopolítico, lo que se denominaría
la Contemporaneidad Global.
Por lo tanto, La Contemporaneidad se muestra como una red de relaciones. En su forma
de red se exhiben la suma de numerosas contemporaneidades particulares, las propias
creaciones artísticas, que se encuentran conectadas a una red global o Contemporaneidad
Global, que serían los espacios de exhibición junto con los actores implicados. La
Contemporaneidad Global abarca, además de las instituciones tradicionales de exhibición,
los nuevos espacios tales como nuevas ferias de arte y bienales de arte que, ayudados por las
herramientas digitales, como las redes sociales y los dispositivos móviles, exponen sus
propuestas a los consumidores con una comodidad y alcance sin precedentes.
Localizar e identificar las particularidades que muestra la producción artística relacionada
con La Contemporaneidad, implica analizar científicamente ambas esencialidades, tanto
desde el punto de vista teórico como de la propia producción artística. A continuación, se
comparten las sugerencias de investigación de manera concreta para cada esencialidad. Para
concluir el artículo, se ha añadido un capítulo específico en el que se exponen las sugerencias
metodológicas según el planteamiento que se ha elaborado en la investigación.
La Contemporaneidad Particular
Para clasificar las particularidades de la primera esencialidad, la que implica la relación
entre el individuo y el tiempo, es necesario estudiar los trabajos que analizan teóricamente
este ámbito y contrastarlos con la producción de los artistas. En el caso del presente artículo,
se apunta como primer ejemplo la cita del autor Jonathan Feldman sobre la relación
individual con la Contemporaneidad en su trabajo Arte Contemporáneo: temporalidad,
territorialización y circulación (2017), con la siguiente reflexión:
La contemporaneidad permite relaciones temporales diversas y particulares, una serie de multiplicación de
capas de tiempo, una anacronía que permite unir el presente con lo pasado y lo futuro, traer el pasado al
presente y a su vez volver pasado el presente, y presente el futuro
24
.
En palabras del autor, la contemporaneidad facilita la relación temporal y la multiplicidad,
atravesar los límites de los espacios estancos con los que se clasifica el tiempo. En esta misma
línea, Sandra Pinardi destaca en su artículo de la revista on line Tráfico Visual, Lo contemporáneo
y sus definiciones (2015):
En efecto, ser contemporáneo no es estar en un tiempo, tampoco es estar con otros en alguna situación
particular, implica básicamente poder ser aludido, reclamado, llamado por aquello que espera por ser (por lo
que aún no ha sido, por lo que es pura potencia) y también poder hacerse cargo de ello, tomarlo a la vez como
deuda y deber
25
.
En este sentido, el autor Terry Smith apunta en su ensayo previamente mencionado ¿Qué
es el Arte Contemporáneo?, la siguiente cita: Con Tempus, comenzó a utilizarse, y continua en uso, debido
a su capacidad de hacer referencia a una multiplicidad de relaciones entre el ser y el tiempo
26
.
En el ensayo citado, el autor añade un capítulo dedicado exclusivamente a la relación entre
el Arte Contemporáneo y el tiempo bajo el título Tomarse un Tiempo. En este capítulo ha
articulado diferentes tipos de percepción del tiempo según una serie de características que se
han agrupado en apartados titulados: Tipos de Tiempo, Eternidad, Midiendo el carácter presente de
las cosas, El tiempo histórico hoy y Temporalidades Contingentes. En cada apartado del capítulo, el
autor aborda un fragmento sobre los tiempos a los que se entrega el Arte Contemporáneo y
los ejemplifica con una serie de obras de creadores recientes que ahondan en la naturaleza de
cada definición. El autor destaca obras de artistas que están interesados por la percepción del
tiempo de la contemporaneidad como Hiroshi Sugimoto, Bruce Nauman o Bill Viola. En la
Figura 3 se aprecia la instalación Duty Colossus (2023) del artista Nari Ward expuesta en la
24
Feldman, 2017: 88.
25
Pinardi, 2015.
26
Smith, 2012: 19.
Antonio Labella Martínez
289
Bienal de Sharjah de 2023. En la monumental instalación situada en una antigua fábrica de
comida para pescado, el artista recrea en gran formato la forma de una trampa para pescar
mediante el uso de maderas muebles desgastados y rotos. La obra evoca una experiencia de
la temporalidad, puesto que el deseo del artista era articular la relación efímera del espectador
con el momento en el que el espectador es atrapado y queda suspendido en la percepción.
El autor Boris Groys, añade otro dato fundamental al respecto en su capítulo Modernidad
y contemporaneidad: Reproducción mecánica vs. digital en su ensayo Arte en Flujo, al señalar que:
Nunca antes la humanidad estuvo tan interesada en su propia contemporaneidad. La edad Media se
preocupaba por la eternidad, el Renacimiento por el pasado y la modernidad por el futuro. Nuestra época está
interesada, fundamentalmente, en sí misma
27
.
En estos ejemplos, los diferentes autores exponen algunas particularidades de la relación
individual entre ser y tiempo dentro de la contemporaneidad. Analizar desde la perspectiva
de la creación artística este tipo de relaciones individuales, implica ahondar en las reflexiones
teóricas y conocer de manera concreta nombres de creadores para poder contrastar la teoría
con la producción. Una estrategia posible sería la realización de un análisis exhaustivo de un
número representativo de obras de artistas que tenga un cierto peso en el panorama global.
Una tarea que, a pesar de la complejidad dado las enormes cifras de artistas que actualmente
componen el ecosistema del arte a nivel global, revelará cómo es el perfil del artista ligado a
la contemporaneidad y sus intereses conceptuales.
27
Groys y Cortés-Rocca, 2016: 155.
Fig. 3. Instalación Duty Colossus (2023) de Nari Ward expuesta en la Bienal de Sharjah del año 2023. Fuente:
https://sharjahart.org/sharjah-art-foundation/projects/duty-colossus-2023.
La creación artística en la transformación digital
290
La Contemporaneidad Global
La segunda esencialidad que se ha señalado, la que corresponde a las relaciones colectivas
con el tiempo enmarcadas en un contexto geopolítico determinado, requiere, además de un
análisis de la producción teórica, de un minucioso estudio del ecosistema de la producción
artística. En primer lugar, es fundamental subrayar que el contexto actual está marcado por
el desplazamiento de los centros tradicionales de influencia y la inclusión de la inclusión de
las voces del otro. Además, al actual giro geopolítico hay que sumar el desarrollo de las
tecnologías de conexión, como la red de internet o los nuevos modos de movilidad que están
transformando las formas de relación y comunicación humanas. Estas particularidades están
desarrollando un nuevo paradigma que se ha expandido a lo largo del planeta, un modelo al
que se denomina como Global.
Una forma de resumir esta singularidad es la que se puede extraer de la siguiente cita que
aparece en la introducción de la publicación: Art Unlimited? Dynamics and Paradoxes of a
Globalizing Art World:
La globalización no es tanto un fenómeno histórico; es más bien el resultado de la interacción y el refuerzo
recíproco de las relaciones a largo plazo entre procesos tales como las interrelaciones en la economía mundial,
la comunicación en todo el mundo y la creación de redes o la migración transnacional masiva y los movimientos.
Este proceso implica una dinámica más o menos paradójica de homogeneización cultural contemporánea
y paralela, cuyos resultados se caracterizan a menudo por la "glocalización" (Roland Robertson), la
"hibridación" (Homi K. Bhabha) o la "criollización" (Stuart Hall), en las que los elementos globales y
locales se transforman y reorganizan recíprocamente y conducen a una fusión de elementos culturales
diferentes
28
.
Tal y como se cita en el fragmento, una de las principales características de este momento
histórico, a diferencia de otros momentos anteriores, es el desarrollo de una evolución de
homogenización complejo en el que se entrelazan las fuerzas locales y las globales. En este
proceso se puede observar la creación de nuevas identidades híbridas, tal y como los autores
Pablo Cristoffanini y Lotte Dam expusieron en el inicio del artículo que publicaron en las
actas del 10th World Congress of the International Association for Semiotic Studies, titulado
Representaciones y discursos sobre la cultura y la identidad en una diáspora laboral hispánica:
(...) Por otro lado, la globalización con sus tendencias homogeneizadoras que eroda las culturas nacionales
y en el polo contrario tiene lugar una revitalización de las identidades y culturas locales. Entre estos dos polos,
y en virtud de la gran circulación de personas en las aguas de la globalización, se desarrollan identidades
híbridas
29
.
Estas hibridaciones inciden de manera significativa en la sensibilidad de la creación
artística. Los efectos de estas transformaciones que acontecen en el planeta como los nuevos
desarrollos globales de la cultura y su incidencia en los entornos locales, engendran una nueva
cultura artística global en la que se mezclan aspectos de diferentes fuerzas.
Algunos autores han señalado el año de la caída del Muro de Berlín (1989) como un año
especialmente significativo, ya que este año coincidió con el colapso de la Unión de
Repúblicas Socialistas Soviéticas (URSS) y otros acontecimientos históricos de especial
relevancia. La autora Tijen Tunali, en este sentido, citó en su artículo titulado Contemporary
Art and the Post- 1989 Art World:
Estos acontecimientos (La caída del Muro de Berlín, el colapso de la Unión Soviética, el fin
de los regímenes autoritarios de América del Sur) también marcaron el comienzo de la dominación
global de la doctrina neoliberal en las estructuras económicas y políticas, en las que la privatización y el libre
mercado se han vuelto cada vez más influyentes
30
.
28
Schultheis et al., 2016: 21.
29
Cristoffanini, P. y Dan, L., 2012: 1925.
30
Tunali, 2017.
Antonio Labella Martínez
291
La nueva doctrina económica global, ha sido determinante para la generación de un nuevo
sistema del arte. El mercado del arte experimentó profundas transformaciones de manera
paralelas al desarrollo del nuevo mercado financiero a escala global, sobre todo con las
incorporaciones de nuevos territorios como China, India, Rusia o los mercados de Oriente
Medio. Los nuevos territorios también recibieron, junto al nuevo sistema económico, el
modelo occidental de Arte Contemporáneo mediante la extensión de los tradicionales canales
de distribución que ya estaban establecidos en occidente como las grandes y espectaculares
instituciones museísticas, las suculentas ferias de arte, las nuevas sucursales de las grandes
galerías privadas de arte y la expansión del particular modelo de bienales de arte.
Indudablemente, la irrupción del nuevo modelo económico ha influido de manera
considerable en el mercado del arte y en su sistema de producción y distribución. De igual
modo, el tránsito planetario tanto de bienes como de personas, por diferentes circunstancias,
ha generado un nuevo circuito global que se extiende más allá de las limitaciones que había
impuesto la visión occidental y sus niveles perceptivos. Los desplazamientos, ahora en todas
las direcciones, sumado a las traducciones lingüísticas que conllevan estos desplazamientos,
obligan a repensar la repercusión de la movilidad en la percepción del tiempo y de las
construcciones del espacio. En el artículo que Joaquín Barriendos publicó bajo el titulo El
Arte Global y las políticas de la movilidad. Desplazamientos (trans)culturales en el sistema internacional del
Arte Contemporáneo
31
se realiza un análisis profundo en el que se abordan cuestiones
relacionadas con las políticas de la movilidad y la subjetividad transcultural en el terreno del
Arte Contemporáneo y en los cambios que ha generado la red global. Además de citar a
autores de diferentes disciplinas esenciales para profundizar en el concepto de Lo Global, el
autor apunta que el concepto de movilidad posee una diferencia sustancial con el concepto
de movimiento. En el artículo, el autor explica el concepto de la movilidad como el conjunto
de las variables sociales que se trasladan en cada desplazamiento
32
.
Las profundas transformaciones globales no pasan desapercibidas para los creadores. La
artista estadounidense de origen qatarí, Sophia Al-María, ha expuesto en la Bienal de Venecia
celebrada en el año 2022 la obra Tiger Strike Red (Al-María, 2022). La video instalación está
inspirada en la pieza del autómata mecánico conocida como el Tippu Tiger, realizado en el
siglo XVIII para el sultán Fateḥ ʿAlī Tīpū, que gobernó Mysore, en el sur de la India (Figura
4.). Este autómata representa a un tigre con la intención de despedazar a un soldado británico
y está atesorado por el Victoria and Albert Museum (Figura 4). El autómata le sirve a la artista
como punto de partida para crear un video en el que se exploran las consecuencias del
colonialismo y el racismo y cómo han repercutido en las relaciones actuales entre los seres
humanos, a través de los prejuicios incrustados en las tecnologías actuales y los algoritmos
digitales.
Según los estudios que se han analizado, el Arte Contemporáneo es una categoría artística
vagamente determinada pero que, resumido de manera muy general, se desarrolla
aproximadamente desde la segunda Guerra Mundial. Ha sido un término nacido o
implantado para diferenciar la producción artística que se encontraba establecida en los
tiempos del Arte Moderno, fundamentalmente en Europa. La fase en la que se desarrolló la
etiqueta Arte Contemporáneo, fue un periodo en el que se cambiaron algunos puntos de
referencia gracias al desplazamiento, por las catástrofes bélicas y humanas, de la capitalidad
europea del arte hacía la hegemonía casi total de las instituciones norteamericanas del arte.
Se vuelve a incidir en estos aspectos que se han revisado anteriormente, puesto que cuando
se localizan los lugares de influencia del arte, las ciudades y sus circuitos artísticos internos,
se facilita la tarea de encontrar y analizar, de un modo u otro, los principales actores que
fueron el motor del arte de esa fase en la que se encontraba la creación artística. En el
31
Barriendos Rodríguez, J., 2007.
32
Barriendos Rodríguez, J., 2007: 163.
La creación artística en la transformación digital
desarrollo del periodo de hegemonía de los Estados Unidos de América, se podían señalar
las principales revistas especializadas, los grandes críticos de referencia obligada, los nombres
de artistas que marcaban las tendencias y los circuitos de información, los espacios de
compra-venta y las visitas obligadas a las instituciones de renombre. Al tener conocimiento
de las ubicaciones de los actores, la estructura se mostraba de manera relativamente sencilla
y las fuentes para conocer el ecosistema del arte se mantenían localizables. Con la
información sobre los creadores y sus obras, se han trazado los mapas que ayudan a elaborar
diferentes corpus para sostener muchas de las teorías que existen alrededor de este intervalo
histórico. Pero tal y como se ha comprobado, desde los primeros años del siglo XXI, se está
asistiendo a la inserción de un nuevo modelo que funciona a escala global y que muestra
cambios radicales en cuanto a los modelos de movilidad y de comunicación a escala
planetaria. Un hecho que, sin duda, puede estar fomentando un nuevo cambio que afecta
directamente a la idoneidad del uso de la etiqueta de Arte Contemporáneo, tal y como se
conoce actualmente.
Si bien la ciudad de Nueva York fue el centro de la primera fase del Arte Contemporáneo,
desde principios del siglo XXI su centralidad ha sido minada. Ahondar en el estudio de las
particularidades de la Contemporaneidad Global conlleva analizar las redes del ecosistema
del arte más actual. Se hace imprescindible estudiar los pormenores de las redes de espacios
de difusión como las ferias de arte, las propias bienales de arte o las instituciones relacionadas
con la creación más actual, ya que conocer detalladamente tanto los textos curatoriales como
las ubicaciones o los tránsitos de los propios participantes, facilitará la comprensión de la
transformación. Pero, tal y como se ha incluido en este apartado, los nuevos circuitos de
exhibición y los medios de difusión digitales multiplican por miles los datos y documentos
que se generan sobre la producción artística. Una investigación orientada al análisis del
ecosistema del arte actual, se enfrenta a la necesidad de aplicar metodologías capaces de
afrontar el reto que ofrece la densidad de datos y la rápida actualización de los mismos en un
sistema global apoyado por las plataformas de difusión digital.
292
Fig. 4. Autor desconocido (XVIII) Tippu Tiger [Autómata]. Fuente: https://es.wiki-
pedia.org/wiki/Tigre_Tipu#/media/Archivo:Tipu's_Tiger_with_keyboard_on_display_2006AH4168.jpg
Antonio Labella Martínez
293
Primero resultados y planteamiento de futuras líneas de investigación
En el breve espacio de más de una década desde que el filósofo Agamben revisó el
significado de Lo Contemporáneo, en el ámbito de la creación artística se han sucedido diversos
análisis sobre la relación de La Contemporaneidad con la categoría Arte Contemporáneo.
Los resultados expuestos en el artículo de investigación evidencian, bien por la dificultad para
aplicar metodologías tradicionales de estudio y clasificación, bien por las implicaciones que
conlleva la transformación global, la responsabilidad desde el ámbito académico de continuar
investigando y aportando datos que sumen conocimiento ante los retos que presenta el
cambio de paradigma y la necesidad de re-significar una categoría artística como el Arte
Contemporáneo.
A lo largo del presente artículo se han explorado de manera sucinta trabajos de
investigación de diversas naturalezas para conocer los caminos de reflexión que han abierto
algunos especialistas en la materia. El resultado ha sido la elaboración de una propuesta que
sugiere líneas de investigación basadas en el análisis del ecosistema del arte actual desde dos
perspectivas complementarias, por un lado, la perspectiva individual del artista y su relación
con su tiempo desde el conocimiento del contenido de sus creaciones artísticas y, por el otro,
la perspectiva colectiva elaborando mapas de los espacios de exhibición que ofrezcan datos
sobre participantes, fechas, lugares o contenido curatorial. Dos recorridos entrelazados.
Generar este tipo de contenido implica enfrentarse a la problemática de extraer y clasificar
una gran cantidad de datos en continuo crecimiento, además de la dificultad del análisis de
esos grandes paquetes de datos.
Para hacer frente a las problemáticas que se han expuesto, el autor del presente artículo
propone aplicar los fundamentos de la metodología denominada como Cultural Analytics,
elaborada por Lev Manovich
33
, además del concepto metodológico llamado Distant reading
que formuló Franco Moretti
34
. La primera fórmula, Cultural Analytics o Analítica Cultural,
propone el análisis computacional de grandes bases de datos culturales, tales como los
nombres de artistas, curadores y espacios expositivos, mientras que Distant reading o la Lectura
Distante, propone analizar el uso del lenguaje, en nuestro caso de los textos curatoriales y los
textos de las propias obras de arte, desde la lectura de enormes cantidades de textos que
imposibilitarían su lectura cercana o lineal. Ambas opciones se basan en el análisis de material
digitalizado extraído de diferentes webs oficiales de los espacios expositivos y de los propios
creadores. Un planteamiento metodológico que ya se ha experimentado en diversas
investigaciones. Un caso concreto de las experimentaciones, es el análisis que se ha realizado
sobre la red de las Bienales de arte publicado en el artículo El formato expositivo bienal de arte a
estudio. Análisis sobre las relaciones y los comportamientos de la red global de las bienales de arte (2007-
2019)
35
. La investigación, aplicada a un fragmento del ecosistema global de la creación
artística como son las bienales del arte, se realiza gracias a la aplicación de herramientas
digitales para extraer los nombres de todos los participantes de todas las ediciones de una
serie de bienales de arte seleccionadas, tanto de comisarios como de artistas, para trazar una
estructura de relaciones mediante la herramienta de visualización de datos Gephy y explorar
así la red desde la lectura de la complejidad visual. Disponer de los nombres de todos los
artistas y los lugares de exhibición, incluyendo otros estudios de más fragmentos del
ecosistema como son las ferias de arte o las exhibiciones de las diferentes instituciones
museísticas, facilitará la posibilidad de conocer los circuitos y los nombres que tienen mayor
presencia en la red de exhibiciones global. De la misma manera, la investigación también
ofrece la posibilidad de destacar los artistas más influyentes y centrar los análisis en los
intereses de su producción artística. Toda la información que estos datos ofrecen al
33
Manovich, 2020.
34
Moretti, 2013.
35
Labella, 2021.
La creación artística en la transformación digital
294
investigador, se hacen imprescindibles ya que son una fuente de alto valor para continuar
añadiendo conocimiento al estudio del significado de ser contemporáneo y, por extensión,
de la revisión de la propia etiqueta artística Arte Contemporáneo.
Fig. 5. Escultura Boy On Globe (2014) de Yinka Shonibare. Maniquí de fibra de vidrio
y globo terráqueo de cuero. Fuente: http://
yinkashoni-
bare.com/artwork/sculpture/?image_id=307
Antonio Labella Martínez
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